Ik wil vermijden dat er geïnterpreteerd of beoordeeld wordt - liever zou ik willen dat de toeschouwer zich bewust wordt van het proces van de waarneming en de vergankelijkheid daarvan. Mijn intentie is hem/haar aan te spreken op zijn eigen perceptie, zonder verwijzingen naar een andere werkelijkheid en zonder opgelegde referentiekaders. Mijn handelingen benadrukken niet alleen het wegvallen van het heden in het verleden, maar ook een samentreffen van een latente en een actuele werkelijkheid. Zoals Richard Serra het eens uitdrukte, zijn het geheugen en de verwachting de 'voertuigen van waarneming.' Op basis hiervan zoek ik in de performance het moment waarin zich de spanning tussen tijd en ruimte manifesteerde.
Ik zie mijn werk als een kritiek op de taal en ideologie van representatie waar de toeschouwer continu gedwongen wordt te analyseren, te interpreteren en te boordelen. In een theatrale setting is meestal elke handeling bedoeld om antwoord te geven op de vraag " Wat betekend dit?" Daartegen wil ik teruggrijpen op de oerelementen van theater: het nulpunt van een lichaam in de ruimte dat door zijn aanwezigheid voortdurende het hier-en-nu actualiseert. Hier wordt ook de werkelijke ruimte waarin dit afspeelt tastbaar en concreet. Mijn werk is ook een kritieke op het gemediatiseerde oog, dat de wereld inkadert en zich in toenemende maat verwijderd van de werkelijke ervaring van lichamelijkheid en het besef van ruimte.
Ik zoek de inspiratie voor mijn werk binnen het discours van de beeldende kunst. In een aantal van mijn performances maak ik tekeningen of schilderijen. De onderwerpen en titels van mijn werk komt veelal uit begrippen van de kunst en kunstgeschiedenis: Natura Morta, Figure Series, Still Life Series, 90 graden Vanitas, Trompe L'Oeil, Folly, Grotto. Al sinds het begin van mijn solo carrière treed ik ook op in galerieën en musea in binnen en buitenland.
Mijn werk word vaak beschreven als 'minimalistisch' aangezien ik weinig elementen gebruik - geen kostuum, tekst, gecodeerde gebaren, gezichtsuitlatingen, of verhaal. Meestal speelt het zich in het daglicht af. Persoonlijk zie ik mijn performances eerder als een herontontwikkeling van het minimalisme. De verworvenheid van minimal art sinds de jaren 60 is een 'actieve ruimte' waarin de betekenis van de kunst verschuift van het kunstobject zelf tot de bewustwording van de toeschouwer van de werkelijke ruimte waarin de kunst afspeelde of is tentoongesteld. Ruimte in plaats van vorm wordt dan de werkelijke kern van het werk. Door zelf op te treden gebruik ik de menselijk figuur op een paradoxaal wijze als teken en wijzer tegelijk, om deze 'actieve ruimte' op te roepen.
Interview Prague: Elena Panayotova and Rob List
EP How would you describe the theatre that you make?
RL I work in silence with minimal movements of the human body. My performances are primarily inspired by topics and ideas derived from art, science and music. In most cases I present my work in galleries or other non-typical theater spaces. Through the help of neutral clothing, silence and natural lighting I create an anonymous figure in space. I tend to perform with my back towards the audience since the face with its expressive character will often dominate the audience's attention. It is also a desire to share the space with the spectator. For example if I am facing you that is generally an assumption of communication between us. But if we both are oriented in the same direction then we both can experience the space instead of my story. We share something together here and now. In that sense I am like a phenomenologist who is interested in things as they are. The world exists because of our perception. I would like the audience to recall the authenticity and the primacy of this perception.
EP How do you situate yourself in the contemporary theater context?
RL My work is a commentary on the theater but my situation and my solutions are unique because what I am dealing with is my own personality and skill. I am interested in the general cultural context we live in now, in films, architecture, music, the internet as social phenomenon as well as resource. Of course with instantaneous global communication we have access to everyone and everything at the same time. But this is a virtual "real time" in which everyone still remains isolated in their own spaces. In this mediated world we live now we ought to protect our sense of primary perceptual experience, our sense of the spaces we do share. My performances emphasize a living quality, a living presence, and real time and space.
EP Are you trying to evoke a source of shared meditation?
RL Perhaps what I am doing instead is to produce a sort of concentration, a pleasant moment of concentration. That doesn't seem like much, I know. Earlier in my career I realized that the better I was becoming in my craft, the less I had something to "say". I believe art does not evoke beauty through a theme as such, but rather through our mutual perception of the moment of the performance - this sensing itself - which can create beauty. Like, for example, an abstract painting, which also has the power to include everything we invest in it, to stimulate our active participation, without having a specific subject. This is why the great abstract painters like Mondrian, de Kooning, Newman or Rothko continue to excite me.
EP The titles to a number of your pieces refer to a more mundane genre in painting - "the still life".
RL I tend to work in series based on certain topics - the figure, the still life, the double and so on. Three of the solos I have made concern aspects of the still life. I'm interested here in the simplicity of the form, the use of framing devices like the table and the close background, the restriction in subjects, and the general appeal to introspection. Of course this introspection is readily available to the viewer of a painting. Often the viewer of a theater piece is to busy trying to follow a narrative.
EP Considering the tempo and the inner qualities of your movement, are you personally influenced by Eastern philosophies of moving, like Japanese Butoh, for example?
RL Butoh was a certain trend in modern Japanese dance created in the 60s, by choreographers and dancers also interested in western theater, especially the work of Artaud. I am acquainted with a number of dancers working in the post-Butoh scene. They seem to work a lot with inner images and the audience sees the result of this in their behavior. There is a quality of someone who is being "possessed" which I sometimes find distracting. I personally don't work with inner images to stimulate my movements. Instead I am interested in being alive in the situation of the performance, concentrated in each movement. My basic acting qualities are those shared with the audience: watching and listening. This purity of concentration in the moment is something the audience imitates in its observance. I believe the audience has a hunger for clarity. They want to be in a situation of seeing and hearing without distraction. It's a desire to return to the simplicity and authenticity of the perceptual animal and the perceptual consciousness. In each performance I wish to embody this literally, in a corporal way.