Ich möchte vermeiden, dass interpretiert oder beurteilt wird – stattdessen möchte ich lieber, dass der Zuschauer sich bewusst wird, vom Prozess der Wahrnehmung und dessen Vergänglichkeit. Meine Intention ist es, um ihn auf seine eigene Wahrnehmung anzusprechen, ohne Hinweise auf eine andere Wirklichkeit und ohne auferlegte Referenzen. Meine Handlungen betonen nicht nur das Entfallen der Gegenwart in der Vergangenheit, sondern auch ein Zusammenkommen einer latenten und einer aktuellen Wirklichkeit. Richard Serra sagte einst, dass das Gedächtnis und die Erwartung die‚ Fahrzeuge der Wahrnehmung’ sind. Aufgrund hiervon suche ich in den Performances den Augenblick, in dem sich die Spannung zwischen Zeit und Raum manifestierte.
Ich sehe meine Arbeit als Kritik an der Sprache und Ideologie der Repräsentation, in denen der Zuschauer permanent gezwungen wird, zu analysieren, zu interpretieren und zu beurteilen. In einem theatralen Kontext intendiert jede Handlung meistens das Beantworten der Frage: „Was bedeutet das?“ Im Gegensatz dazu will ich zurückgreifen auf die Urelemente des Theaters: den Nullpunkt des Körpers im Raum, der durch seine Anwesenheit andauernd das Hier und Jetzt aktualisiert. Hierdurch wird auch der wirkliche Raum, in dem sich dies abspielt, greifbar und konkret. Meine Arbeit ist zugleich Kritik am mediatisierten Auge, dass die Welt eingrenzt und sich im zunehmenden Maße entfernt von der wirklichen Erfahrung der Körperlichkeit und dem Bewusstsein vom Raum.
Ich suche die Inspiration für meine Arbeiten im Diskurs der bildenden Künste. In zahlreichen meiner Vorstellungen mache ich Zeichnungen und Malereien. Die Themen und Titel meiner Arbeiten entstammen oft Begriffen aus der Kunst und Kunstgeschichte: Natura Morta, Figure Series, Still Life Series, 90 graden Vanitas, Trompe L'Oeil, Folly, Grotto. Bereits seit Anfang meiner Solokarriere trete ich auch in Galerien und Museen im In- und Ausland auf.
Meine Arbeit wird oftmals als ‚minimalistisch' bezeichnet, angesichts der Tatsache, dass ich wenige Elemente benutze - keine Kostüme, keinen Text, keine codierten Gebären, keine Mimik oder Geschichten. Meistens finden die Arbeiten im Tageslicht statt. Ich persönlich sehe meine Vorstellungen eher als eine Weiterentwicklung des MinimalismusDie Errungenschaft der Minimal Art seit den 60er Jahren ist ein ‚aktiver Raum’, in dem die Bedeutung der Kunst sich verschiebt vom Kunstobjekt selbst hin zur Bewusstwerdung des Zuschauers vom wirklichen Raum, in dem sich die Kunst ereignet oder ausgestellt ist. Raum anstelle von Form wird dann zum wirklichen Kern der Arbeit. Dadurch, dass ich selbst auftrete, benutze ich die menschliche Figur auf eine paradoxale Weise, als Zeichen und Zeiger zugleich, um den ‚aktiven Raum’ zu erzeugen.
Interview Prague: Elena Panayotova and Rob List
EP How would you describe the theatre that you make?
RL I work in silence with minimal movements of the human body. My performances are primarily inspired by topics and ideas derived from art, science and music. In most cases I present my work in galleries or other non-typical theater spaces. Through the help of neutral clothing, silence and natural lighting I create an anonymous figure in space. I tend to perform with my back towards the audience since the face with its expressive character will often dominate the audience's attention. It is also a desire to share the space with the spectator. For example if I am facing you that is generally an assumption of communication between us. But if we both are oriented in the same direction then we both can experience the space instead of my story. We share something together here and now. In that sense I am like a phenomenologist who is interested in things as they are. The world exists because of our perception. I would like the audience to recall the authenticity and the primacy of this perception.
EP How do you situate yourself in the contemporary theater context?
RL My work is a commentary on the theater but my situation and my solutions are unique because what I am dealing with is my own personality and skill. I am interested in the general cultural context we live in now, in films, architecture, music, the internet as social phenomenon as well as resource. Of course with instantaneous global communication we have access to everyone and everything at the same time. But this is a virtual "real time" in which everyone still remains isolated in their own spaces. In this mediated world we live now we ought to protect our sense of primary perceptual experience, our sense of the spaces we do share. My performances emphasize a living quality, a living presence, and real time and space.
EP Are you trying to evoke a source of shared meditation?
RL Perhaps what I am doing instead is to produce a sort of concentration, a pleasant moment of concentration. That doesn't seem like much, I know. Earlier in my career I realized that the better I was becoming in my craft, the less I had something to "say". I believe art does not evoke beauty through a theme as such, but rather through our mutual perception of the moment of the performance - this sensing itself - which can create beauty. Like, for example, an abstract painting, which also has the power to include everything we invest in it, to stimulate our active participation, without having a specific subject. This is why the great abstract painters like Mondrian, de Kooning, Newman or Rothko continue to excite me.
EP The titles to a number of your pieces refer to a more mundane genre in painting - "the still life".
RL I tend to work in series based on certain topics - the figure, the still life, the double and so on. Three of the solos I have made concern aspects of the still life. I'm interested here in the simplicity of the form, the use of framing devices like the table and the close background, the restriction in subjects, and the general appeal to introspection. Of course this introspection is readily available to the viewer of a painting. Often the viewer of a theater piece is to busy trying to follow a narrative.
EP Considering the tempo and the inner qualities of your movement, are you personally influenced by Eastern philosophies of moving, like Japanese Butoh, for example?
RL Butoh was a certain trend in modern Japanese dance created in the 60s, by choreographers and dancers also interested in western theater, especially the work of Artaud. I am acquainted with a number of dancers working in the post-Butoh scene. They seem to work a lot with inner images and the audience sees the result of this in their behavior. There is a quality of someone who is being "possessed" which I sometimes find distracting. I personally don't work with inner images to stimulate my movements. Instead I am interested in being alive in the situation of the performance, concentrated in each movement. My basic acting qualities are those shared with the audience: watching and listening. This purity of concentration in the moment is something the audience imitates in its observance. I believe the audience has a hunger for clarity. They want to be in a situation of seeing and hearing without distraction. It's a desire to return to the simplicity and authenticity of the perceptual animal and the perceptual consciousness. In each performance I wish to embody this literally, in a corporal way.